Al Teatro Argentina di Roma, fino al 29 novembre 2026
L’originale rilettura firmata da Luca De Fusco, in collaborazione con Gianni Garrera, colloca la tragedia shakespeariana in un contesto storico riconducibile agli anni Quaranta, evocando un’epoca attraversata da profonde discriminazioni razziali. Una scelta che riporta in primo piano il tema dell’alterità e della discriminazione, intrecciato a quello, altrettanto centrale, della sopraffazione e della violenza di genere.
Il testo di Shakespeare, «gran maestro del cuore umano», secondo la celebre definizione di Giuseppe Verdi, che dall’Otello trasse la sua penultima opera, trova in questa messinscena una nuova declinazione visiva e drammaturgica. Lo spazio scenico, essenziale, è dominato dalle proiezioni in bianco e nero, alla Kentridge, alternate a sequenze coreografiche sostenute da un accurato gioco di trasparenze e animazioni, che diventano parte integrante della narrazione.
Luca Lazzareschi, sempre in uniforme nei panni del perfido Iago, combatte la propria battaglia per il predominio con un fascino nichilista unito a una sardonica astuzia. Divorato dall’odio verso sé stesso e verso Otello, Iago rivela la propria natura manipolatrice soprattutto nei monologhi sul proscenio, dove sembra cercare un patto di complicità con il pubblico. Uno degli snodi psicologici più significativi della tragedia si consuma quando, per insinuare il dubbio sulla fedeltà di Desdemona, evoca le parole di Brabanzio (Francesco Biscione), ferito dalla scelta della figlia di sposare segretamente il Moro: «ha ingannato suo padre e potrebbe ingannare anche te», usandole come un’arma per manipolare Otello e portarlo alla follia. Mersila Sokoli dà corpo a una Desdemona timorosa e di cristallina purezza, quasi a sottolinearne la nobiltà veneziana e la formazione cristiana.
Di particolare rilievo la figura di Emilia (Sara Putignano), moglie di Iago, la cui presa di coscienza e il coraggio di smascherare il marito la rendono l’unica voce capace di opporsi apertamente alla menzogna e alla violenza degli uomini che la circondano.
Federico Vanni è un Otello senza ancoraggio, soggiogato all’istinto quando la gelosia si trasforma in furia omicida. Sembra impossibile che il fiero generale moro, al servizio della Repubblica Veneta, possa cadere nella trappola di Iago. Ma il tradimento è il più atroce dei peccati militari e perciò è l’ultimo a essere sospettato. Otello è lacerato, stringe Desdemona a sé con passione, prima di arrivare a desiderare che non fosse mai esistita.
Si tratta, tuttavia, di suggestioni che lo spettacolo evoca più di quanto riesca ad approfondire. Nel complesso, questo Otello si impone soprattutto per la sua forza visiva, abilmente sostenuto dalle creazioni video di Alessandro Papa, romantiche o sinistre a ogni cambio di luce, con schermi diafani che alludono a tradimenti e preannunciano lo spargimento di sangue. In un’alternanza di commozione, tenerezza e folle crudeltà (sottolineata dal tagliente gioco di luci di Gigi Saccomandi) colpisce la determinazione di Desdemona nell’andare incontro al suo sacrificio come un soldato, a cui il finale ariostesco di Otello trasformato in Orlando furioso, non fa giustizia. Come in ogni vana e spietata esecuzione, la perdita di senno e il suicidio non riscatta in alcun modo il coraggio e la fierezza dell’eroina, che non aveva certo chiesto un’angelicata idealizzazione, essendosi dichiarata pronta sin dall’inizio a lottare al fianco del suo compagno.
È forse proprio in questa contraddizione, tra la forza di una donna consapevole e la brutalità della dinamica ossessiva che arma l’amore distruttivo, che risiede il nucleo più contemporaneo e doloroso della tragedia. E anche il merito maggiore di questa rilettura.
Roberta Daniele
